PROGRAMMA

INGRESSO: 6€ intero / 5€ ridotto

A Nizza un regista gira la storia di una sposina che fugge col suocero, e il set vive la mobilitazione incrociata di crisi e sentimenti tra personaggi della finzione e della realtà. Celebratissimo (premio Oscar per il miglior film straniero), e il più sincero e interessante, tra i film sull’amour du cinéma: Truffaut rende omaggio a Welles, a Renoir, a Hitchcock, ma soprattutto dà splendida messinscena “alla domanda che mi tormenta da trent’anni: il cinema è più importante della vita? […] Non ci sono intoppi nei film, non ci sono rallentamenti, i film vanno avanti come treni nella notte”.

INGRESSO: 6€ intero / 5€ ridotto

A Nizza un regista gira la storia di una sposina che fugge col suocero, e il set vive la mobilitazione incrociata di crisi e sentimenti tra personaggi della finzione e della realtà. Celebratissimo (premio Oscar per il miglior film straniero), e il più sincero e interessante, tra i film sull’amour du cinéma: Truffaut rende omaggio a Welles, a Renoir, a Hitchcock, ma soprattutto dà splendida messinscena “alla domanda che mi tormenta da trent’anni: il cinema è più importante della vita? […] Non ci sono intoppi nei film, non ci sono rallentamenti, i film vanno avanti come treni nella notte”.

INGRESSO: 6€ intero, 5€ ridotto

Il film, diretto da Benjamin Ree, racconta la nascita e lo sviluppo del bizzarro rapporto di amicizia tra due persone appartenenti a mondi differenti: l'artista Barbora Kysilkova e Karl Bertil Nordland, un ladro tossicodipendente che ha rubato i suoi quadri.

Inediti materiali d’archivio e interviste raccontano il clima politico e culturale di Pechino alla fine anni ’70. Un gruppo di artisti autodidatti, tra cui un giovane Ai Weiwei, formano il collettivo Stars sfidando la censura del governo e proponendo un nuovo modo di fare arte basato sulla libera espressione individuale che denuncia la disumanità della Rivoluzione Culturale.

L’artista di origini indiane Suneil Sanzgiri combina riprese aeree di un drone, estratti di film e un’intervista Skype con il proprio padre per ricostruire la memoria di un luogo, l’India, che non ha mai visitato. La narrazione si intreccia tra la vicenda biografica e il racconto della storia di un movimento di decolonizzazione, dando vita ad una riflessione sulla costruzione dell’identità attraverso le immagini in movimento.

L’ottavo film prodotto dal duo Wagner & de Burca, in occasione di Manifesta 13, è ambientato a Marsiglia e nel sud dell’Irlanda. Gli interni di due dimore storiche, oggi diventate case museo, sono animati da un gruppo di visitatori che performano musiche e danze della tradizione irlandese e nordafricana. L’azione diventa un’occupazione effimera di quei luoghi carichi di storia, lasciando spazio all’immaginazione e a temporanee narrazioni.

Le opere che compongono la serie Versions sono realizzate attraverso un montaggio di immagini provenienti da film, cartoni Disney, video di YouTube, meme e animazioni create dall’artista accompagnate da una voce femminile fuori campo di un’attrice che interpreta una lettura robotica.

Untitled raccoglie filmati provenienti da oltre 100 anni di film e video animati che immergono lo spettatore in culture e periodi di tempo differenti. Laric estrapola le scene in cui persone, oggetti e animali si trasformano: anziani che diventano bambini, robot che si tramutano in automobili e serpenti che diventano danzatrici del ventre.

Ad un tavolino si alternano gli avatar di 5 personaggi, realizzati con la CGI, che come in un incontro al buio siedono l’uno davanti all’altro e intraprendono brevi conversazioni e i loro dialoghi aprono un’area di negoziazione di significato e di rappresentazione.

Cinquanta utenti di YouTube reinterpretano, danzando e cantando in lip-sync, una celebre hit del rapper americano 50 Cent.

Il celebre brano di Phil Collins, In the Air Tonight, hit degli anni Ottanta, è immerso in una leggenda metropolitana che riguarda l’enigmatico testo della canzone. L’artista statunitense Andrew Norman Wilson in questo video propone la sua visione costruendo un montaggio con estratti film hollywoodiani e serie televisive intrise di un ritmo tipico del noir e ambientazioni alla Miami Vice.

Bill  Traylor è un artista esposto in musei e collezioni di tutto il mondo, noto per le sue opere che raccontano la comunità afroamericana a inizio Novecento.
Il film raccoglie materiali inediti rintracciando le sue origini di uomo nato in una condizione di schiavitù e cresciuto come lavoratore delle piantagioni in Alabama, per poi ricostruire la sua carriera iniziata a circa ottanta anni mentre viveva per strada nella capitale Montgomery.

L’artista austriaco Oliver Laric sarà in conversazione con la curatrice e storica dell’arte Valentina Tanni, la cui ricerca è incentrata sul rapporto tra arte e tecnologia, con particolare attenzione alle culture del web.

Il documentario racconta l’intensa vicenda biografica, a tratti ancora sconosciuta, di uno dei principali esponenti dell’Espressionismo astratto, il pittore statunitense Clyfford Still. Il film mette in luce le complesse relazioni tra questo controverso artista e le altre figure chiave dell’arte americana degli anni ‘50 quali Mark Rothko, Jackson Pollock, Barnett Newman, così come il rapporto con collezionisti e galleristi del tempo.

Uno dei primi esperimenti video di Laric una danza ipnotica di movimenti che formano il corpo di un serpente che si sottrae ai nostri occhi accompagnato da una musica di ispirazione indiana.

Le opere che compongono la serie Versions sono realizzate attraverso un montaggio di immagini provenienti da film, cartoni Disney, video di YouTube, meme e animazioni create dall’artista accompagnate da una voce femminile fuori campo di un’attrice che interpreta una lettura robotica.

Con quest’opera Laric continua la sua ricerca sull’ibrido e sulla trasmutazione utilizzando clip tratte da una vasta gamma di fonti. I soggetti sono tracciati digitalmente dalla stessa linea vettorializzata che si muove continuamente tra le sequenze. La linea che ritorna nelle varie permutazioni del soggetto suggerisce un numero illimitato di possibilità di forme uniche.

Nel suo ultimo video Laric torna a riflettere sulla metamorfosi presentando delle visualizzazioni di impercettibili cambi della materia organica e degli organismi viventi. Il paesaggio sonoro che accompagna il video è stato appositamente realizzato dal musicista e producer finalndese Ville Haimala.

787 illustrazioni di clipart sono montate in un flusso continuo dando l’idea di un moto perpetuo che fornisce una tassonomia della cultura umana.

Nell’estate 2020 un piccolo aereo da turismo sorvola i cieli sopra le affollate spiagge del litorale romano trascinando dei banner con una scritta composta da un solo verbo in italiano e inglese. Non è un’operazione pubblicitaria, ma la mostra personale TRACCE/TRACES dell’artista americano Lawrence Weiner prodotta dal MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma. Il documentario raccoglie le impressioni e le reazioni dei bagnanti, ignari spettatori della mostra.

In una piazza parigina assistiamo alla rimozione del monumento dedicato al generale Joseph Gallieni, conosciuta figura della colonizzazione francese in Madagascar. L’azione che vediamo compiersi davanti ai nostri occhi è stata messa in scena dall’artista colombiano Iván Argote che ha realmente attuato i preparativi per la rimozione, e ha invece simulato, grazie ad un’animazione 3D, il momento in cui la statua viene sollevata. Il video è stato poi pubblicato sul sito di una nota rivista francese con l’obiettivo di innescare un dibattito pubblico sulla questione dei monumenti dedicati a personaggi controversi.

La collaborazione tra l’artista olandese Renzo Martens e una cooperativa di lavoratori congolesi ha permesso di costruire un centro d’arte contemporanea in un’ex piantagione Unilever in Congo. Gli operai realizzano sculture che vengono riprodotte in cioccolato e poi esposte con successo a New York, i profitti della vendita delle opere sono usati per riacquistare la terra che è stata loro sottratta.

Il documentario è un omaggio alle figure femminili che hanno contribuito a fondare la scuola della Bauhaus, sede dell’avanguardia e fondamento dell’architettura moderna, sottolineando il potenziale innovativo apportato dalle donne.

Ivàn Argote in conversazione con Riccardo Venturi

A partire dal film Au Revoir Joseph Gallieni di Iván Argote, in cui l’artista innesca un dibattito pubblico sui monumenti dedicati a personaggi controversi, l’incontro affronta la questione dell’eredità coloniale ancora presente nello spazio pubblico delle città europee. La portata storica e simbolica di statue, strade e piazze che celebrano figure ed eventi di un passato ancora irrisolto saranno alcuni dei temi discussi nella conversazione tra l’artista Iván Argote e lo storico dell’arte Riccardo Venturi.

Il film racconta la vicenda di Matt Furie, fumettista e creatore nel 2005 del personaggio animato Pepe the Frog, una ranocchia antropomorfa che diventa un meme molto diffuso sul web e del quale se ne appropriano indebitamente movimenti di estrema destra. Il documentario racconta la lunga battaglia giuridica di Furie per reclamare l’uso dell’icona da lui creata.

Una mantide religiosa si aggira in un ambiente domestico in miniatura perfettamente ricostruito. Liberamente ispirato al film Repulsion di Roman Polański.

Un cane aspetta guaendo all’interno di un veicolo per un periodo di tempo indefinito. Come se il mondo fosse fermo, l’animale appare solo e isolato dall’esterno, la sua unica speranza è un possibile intervento umano.

Il film narra un anno trascorso dall’artista nell’Atelier Colla, la più grande e antica compagnia marionettistica al mondo attiva da oltre tre secoli, e mostra i rituali di una comunità chiamata ad accompagnare l’esistenza di questi oggetti antropomorfi. Le immagini sono accompagnate dalla voce dell’attrice Silvia Costa che interpreta un testo scritto da un’intelligenza artificiale.

Il film è concepito come una coreografia surreale ed esiste sia in una versione monocanale, che doppio canale. Immagini rubate, video di YouTube, filmati d’archivio, render 3D raccontano in quattro capitoli lo svolgersi di un viaggio psichedelico. Un flusso continuo che passa per foreste sottosopra, poesie di Yoko Ono, colorate partite di tennis, brevissimi documentari, vampiri e cristalli.

All’inizio degli anni Settanta un gruppo di giovani fonda nella cittadina toscana di Pontedera il Centro per la Sperimentazione e la Ricerca Teatrale. Fuori dai Teatri raccoglie i racconti e le memorie di alcuni dei fondatori di questa importante esperienza e le fa reinterpretare dagli attori Lino Musella e Anna Bellato con la tecnica verbatim, che consiste nel recitare live le parole delle interviste mentre vengono ascoltate attraverso degli auricolari. La vibrante narrazione degli attori è unita alle immagini storiche d’archivio per dare vita a un montaggio poliedrico su questa importante esperienza unica nel panorama teatrale italiano: una visione d’artista dell’energia delle origini.

Nel 2019, per celebrare il suo 350esimo anniversario, l’Opéra di Parigi ha incaricato il noto artista francese Clément Cogitore di mettere in scena l’opera barocca Les Indes Galantes di Jean-Philippe Rameau. Il documentario segue l’intero processo di produzione dello spettacolo che ha messo in discussione i classici canoni di un’istituzione conservativa quale l’Opéra.

La celebre artista e filmmaker iraniana Shirin Neshat torna allo Schermo dell’arte per presentare il suo ultimo film Land of Dreams in un dialogo con Heinz Peter Schwerfel, critico d’arte, filmmaker e direttore del festival Kino Der Kunst.

Quella tra il regista Alain Fleischer e l’artista Christian Boltanski, scomparso lo scorso luglio, è stata una lunga e intensa amicizia. Il film raccoglie numerosi materiali girati da Fleischer tra il 1969 e il 2019 e costruisce un accurato racconto su come si è sviluppata l’opera di Boltanski nei suoi cinquanta anni di attività. L’idea di memoria, di assenza e di presenza sono al centro di questo documentario così come lo sono nelle installazioni, nella fotografia e nel cinema del grande artista francese.

Il video nasce all’interno della scena postporno berlinese grazie alla collaborazione con la regista e attivista trans femminista Emy Fem. L’artista ha lavorato alle riprese sul set dell’ultimo film di Fem e da questa esperienza ha prodotto l’opera The Pornographer nella quale un groviglio astratto di corpi dalla sessualità fluida e indefinita diventa un invito a confrontarci con i nostri limiti accogliendo il valore della diversità.

Il film è risultato di un laboratorio di cinema collettivo realizzato dall’artista a Torino che ha coinvolto rifugiati e persone dal passato migratorio. Assieme hanno iniziato a intrecciare una storia che getta le sue radici nei film amati da ciascuno durante la propria infanzia. Nel video le memorie cinematografiche dialogano con scene filmate nella città, luogo del nostro odierno convivere.

L’opera realizzata attraverso l’animazione 3D racconta gli sviluppi emotivi di Zine, un giovane ragazzo di Marsiglia appartenente alla classe operaia della diaspora maghrebina, che si innamora di una ragazza e per lei decide di cambiare vita. Con un’estetica post-internet che si fonde in un paesaggio ispirato alla grafica del noto videogioco GTA, Khtobtogone è un’immersione e un tributo alla cultura urbana giovanile.

Presentato al Festival di Venezia nella sezione Orizzonti, è il primo progetto in lingua inglese della celebre artista e filmmaker iraniana. Ambientato in un futuro prossimo, narra con un tono surreale la storia di Simin, una immigrata iraniana, che lavora in un ufficio del censimento statunitense che, per controllare i cittadini, ha avviato un programma di registrazione dei loro sogni. Ironico e toccante, il film, che è uno sguardo satirico sugli Stati Uniti di oggi e sulla preoccupante situazione sociale attuale, affronta il tema della grandezza del sogno americano.