PROGRAMMA

INGRESSO: €8 intero, €6 ridotto - unico pomeridiano

L’ex primo ministro della Georgia ha un hobby singolare: colleziona alberi secolari, alcuni alti come palazzi, portandoli via dalla costa. Con enorme dispendio economico e grande disagio per l’ecosistema, questi maestosi giganti della natura vengono strappati dalle loro terre per essere trapiantati nel giardino privato del politico. Con uno stile cinematografico di grande efficacia, il film segue il surreale sradicamento di alberi antichi dai loro luoghi d’origine e il loro viaggio su una chiatta attraverso il Mar Nero fino alla proprietà privata del possidente, intento a comporre il proprio Eden personale. A ogni rimozione si accendono tensioni tra gli operai e gli abitanti del villaggio, tra chi insegue il miraggio di possibili incentivi finanziari e chi piange con rabbia la perdita di un pezzo importante della memoria collettiva della comunità. Può l’effimera ricchezza di un singolo addomesticare l’eterna bellezza del giardino?

Nell'ambito di "Tour d'Europe" in collaborazione con Swiss Films, Scuola Normale Superiore

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Un film e un doppio ritratto o, meglio, l’incrocio tra due momenti significativi di un anziano operaio in pensione e di un ragazzo che dalla campagna si sposta in città per fare apprendistato in fabbrica. Lo sguardo di Judit Elek accompagna i due personaggi, mostrandoli nei loro gesti, rivelatori di stati d’animo in apparenza contrapposti, in realtà legati tra loro da suggestive similitudini. Come cambia un uomo che si ritira da una vita dedicata al lavoro? Come si trasforma la propria percezione del mondo dopo aver maturato la radicale di allontanarsi dalla famiglia? Che ne è del desiderio, dei pensieri, delle aspirazioni? Il film non si limita ad osservare questi cambiamenti, ma si rivela attraversato da uno sguardo sensibile, poetico, in cui ciò che emerge è la fragilità dell’esistenza, l’incertezza che domina la vita di un essere umano, in qualsiasi momento, a qualsiasi età.

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Un documentario ibrido che ripercorre la storia delle più importanti rivolte carcerarie italiane degli anni ‘70 attraverso la testimonianza del fiorentino Pasquale Abatangelo, tra i fondatori dei NAP (Nuclei Armati Proletari). Intrecciando interviste, ricostruzioni performative, materiale d’archivio e facendo interagire il protagonista con il giornalista Fulvio Bufi e con attori e attrici, il film imbastisce un audace esperimento cinematografico su un momento cruciale della storia del nostro paese. Il protagonista è uno dei tredici detenuti politici di cui le BR chiesero la scarcerazione in cambio del rilascio di Aldo Moro: un uomo di salde convinzioni che non si è mai pentito né dissociato, e il cui unico momento di fragilità è il ricordo della donna amata, compagna di una vita di lotta. Dalle Murate ai carceri di massima sorveglianza di tutta Italia, un film dolorosamente catartico che porta ad interrogarsi sul ruolo della violenza politica nei propositi di cambiamento sociale.

Alla presenza del regista

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Il 6 gennaio 2021 il mondo viene scosso dalle immagini dell’assalto di Capitol Hill - il tentativo insurrezionale portato avanti dai sostenitori di Donald Trump per contestare il risultato delle elezioni presidenziali del novembre precedente. Come si è arrivati a quel momento così drammatico per gli Stati Uniti e per la tenuta della democrazia in Occidente? Quali sono state le conseguenze di quella giornata di violenze? Homegrown è il racconto di un paese sull’orlo di una guerra civile. Il regista Michael Premo, che in precedenza aveva  documentato diversi movimenti sociali dell’America contemporanea, a partire da Occupy, segue il percorso di tre attivisti di estrema destra, appartenenti ai Proud Boys, dall’estate del 2020 fino ai mesi successivi alla sconfitta di Trump. Emerge il ritratto inquietante di un paese attraversato da una conflittualità crescente, che fa guardare con grande preoccupazione all’imminente appuntamento elettorale statunitense del novembre 2024.

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Una famiglia hazara, etnia fortemente perseguita in Afghanistan, chiede giustizia per la morte sospetta di una delle figlie. Sin dalle premesse la storia eccede la sua singolarità e acquista un significato di vasta portata. Come sostiene la filosofa statunitense Judith Butler nel suo Vite precarie: "Molti credono che il dolore ci riporti a una dimensione privata, ci confini nella solitudine e, in questo senso, sia depoliticizzante. Io credo invece che il dolore dia vita a un senso complesso di comunità politica”. Proprio in questo paradigma il film trova la sua forza. La storia di Zahra si dipana come un lamento sommesso, intrecciando i fili sottili del lutto e della sua elaborazione. Mentre Freshta, sorella della vittima, ci fa da guida nei lunghi viaggi verso Kabul, tra le pieghe di un paesaggio interiore ed esteriore. Fotogramma dopo fotogramma, il dolore personale si trasforma in resistenza silenziosa ed implacabile, una eco della lotta di un popolo intero contro l'ingiustizia e l'oblio.

Alla presenza dei registi

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Nel silenzio assordante di un monastero ortodosso in Bielorussia, una suora si affretta con passo deciso a raggiungere il luogo di preghiera. Celata dalle ampie pieghe della tunica nera, si inginocchia ed emette un sospiro profondo, dando inizio al racconto di un cammino inaspettato che, dell'espiazione di un passato oscuro, si trasforma in un affascinante viaggio alla ricerca della propria identità. Cécile Embleton e Alys Tomlinson seguono con discrezione l’avvincente evoluzione della protagonista, raccontando le attività che scandiscono la sua quotidianità e svelando gradualmente i lati più intimi e segreti della sua storia. Girato in un raffinatissimo bianco e nero, con una struttura formale rigorosa ed equilibrata, Mother Vera dipinge un ritratto femminile unico e sorprendente che esplora temi universali, a partire da un percorso di redenzione e di ricerca della libertà.

Alla presenza delle registe

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Nel 2017, Emmanuel Macron annuncia che 26 sculture verranno restituiti dalla Francia al Benin (prima Regno di Dahomey, poi Repubblica di Dahomey, oggi Repubblica del Benin). L’avvenimento scatena un dibattito pubblico tra i giovani, che si interrogano sulla possibilità di una restituzione che non sia solo materiale: che cosa rimane di una cultura che è stata saccheggiata da un colonialismo predatore? Mati Diop, regista francese di origine senegalese, si è aggiudicata l’Orso d’Oro alla Berlinale 2024 con questo documentario vibrante, dove le statue prendono vita tra i corridoi in penombra del museo, mentre le immagini di un’agorà di giovani rimbalzano attraverso gli schermi dei telefonini in tutto il paese, giungendo fino a noi, in un montaggio che procede tra un colpo e un respiro, catalizzando gli spettatori nelle istanze che propone. Un film militante e lirico, dove la cultura si manifesta come afflato vitale che attraversa nel tempo oggetti e persone, per farne un corpo unico.

In collaborazione con The Recovery Plan

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Un gruppo di lavoratori del porto di Genova raccolti sotto la sigla autonoma C.A.L.P. (Collettivo Autonomo Lavoratori Portuali). Si riuniscono in assemblea per discutere sulle difficoltà nel rapportarsi con il sindacato, per denunciare il passaggio delle navi che trasportano armamenti ed esplosivi destinati ai teatri di guerra, per ragionare sulla necessità di fare rete e includere un approccio intersezionale nel loro agire politico. Portuali è un film che racconta il lavoro e il mondo sindacale dall’interno, così come le diverse declinazioni della militanza, ponendo le basi per una nuova narrazione della lotta di classe. La regista Perla Sardella costruisce il film intorno alla dimensione collettiva, utilizzando il linguaggio cinematografico al servizio dell’ascolto: i primi piani delle sequenze girate nelle assemblee, che rievocano certi momenti del cinema di Ken Loach, e l’utilizzo dell’archivio rimettono al centro il lavoro e il conflitto come primo motore di cambiamento nella Storia.

Alla presenza della regista

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Silence of Reason è un atto radicale e femminista che trasforma ricerca e storia in atto politico. Il film riproduce il funzionamento della nostra memoria quando interviene un'esperienza traumatica, insistendo sul cortocircuito tra forma e contenuto che si crea quando il senso viene irreversibilmente distorto dall'orrore. Composto da testimonianze in prima persona, il contenuto del film è tratto dalle trascrizioni del processo delle Nazioni Unite del 2000 che condannò lo stupro di massa delle donne musulmane durante la guerra in Bosnia nei ‘campi di stupro’ di Foča. Il testo è sovrapposto a riprese video e fotografie d'archivio, prove forensi e reperti dell'accusa. Su queste immagini vediamo scolpito il testo delle testimonianze delle donne che subirono violenza. Le voci sono vivide, franche, senza censura, mentre le immagini dei VHS originali sono state alterate in modo che le modifiche risaltino sul materiale originale. Quelle voci sono un atto d'accusa totale e indelebile e, allo stesso tempo, costituiscono un atto di emancipazione.

Alla presenza della regista

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Due esperienze utopiche si svolgono in parallelo: sulle Alpi italiane una famiglia di origini tedesche vive senza elettricità e senza contatti con la società; al di là della frontiera alpina, in Francia, è in costruzione un immenso impianto con l’obiettivo di produrre energia attraverso la fusione atomica. Enrico Masi porta a compimento il suo progetto più ambizioso, frutto di anni di ricerca sull’Antropocene: a partire dalla figura del naturalista Alexander von Humboldt – qui incarnato nella voce di una “narratrice cosmica” – si apre a un dialogo tra modelli di sviluppo contrapposti che riflette sulla condizione umana e sul rapporto con le risorse materiali. L’energia atomica e il suo carico simbolico si scontrano con una tensione opposta, il rifiuto dell’industrializzazione e la decrescita, immaginando un futuro possibile che passa anche dalla ricerca di una forma cinematografica nuova, di altissima raffinatezza, magmatica e inafferrabile, lirica e concreta allo stesso tempo.

Alla presenza del regista

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Una conversazione dedicata alla transizione dal documentario alla finzione compiuta da un'intera generazione di film maker che, proprio a partire dal confronto con la realtà, ha contribuito a rinnovare la cinematografia del nostro paese negli ultimi due decenni. In dialogo, insieme a Gabriele Genuino (Rai Cinema), due figure di primissimo piano del panorama contemporaneo, capaci di raccontare le contraddizioni di un'Italia bella e perduta e le meraviglie di un paese ancora incerto tra il proprio passato contadino e il presente segnato da un'industrializzazione mai pienamente realizzata. Quale futuro per il cinema del reale italiano?

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E se l’attesa dei Beatles fosse l’essenza della Beatlemania più dei Beatles stessi? Parte da questo assunto Andrew Ujică in Things We Said Today, oggetto a metà strada tra documentario e finzione che ruota attorno ai Fab Four, pur essendo privo di loro canzoni. L’evento scatenante è l’approdo di Lennon e soci a New York nel 1965 per il concerto allo Shea Stadium: un alito di aria fresca su un mondo in transizione, dominato ancora dall’ottimismo e dalla capacità di sognare, a dispetto delle ferite aperte da cupe vicende recenti - in primis l’assassinio di Kennedy. Ujică rievoca quel momento manipolando fonti eterogenee, per ricostruire una narrazione fittizia, impressionista, una sorta di ghost story tesa a catturare più lo spirito del tempo che una performance, come fecero Kowalski di fronte al disfacimento dei Sex Pistols o Siodmak, Ulmer e Wilder nel racconto di una città in Menschen am Sonntag. Il titolo ha un acronimo, TWST, che suggerisce il twist in atto, in senso concreto – il ballo – e figurato – perché nulla sarà più come prima.

Alla presenza del regista

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Bogancloch è il nome della foresta che circonda l’abitazione di Jake Williams, un rifugio remoto nel cuore delle Highlands scozzesi. L’uomo, solitario mistico moderno, vive in accordo con i ritmi della natura e il ciclo delle stagioni. Le sue giornate sono scandite da accadimenti minimali, gesti reiterati che assumono ogni volta nuova consistenza. Il regista inglese ritrova l'eremita protagonista del corto This Is My Land (2006) e del lungo Two Years at Sea (2011) portando a un nuovo grado di intimità la relazione filmata e conducendo chi guarda a immaginare la vita interiore dell’uomo mentre sonnecchia all’ombra di un albero o scruta dalla finestra il paesaggio in lontananza. Con una narrazione obliqua, solo in parte documentaria, e il consueto approccio poetico e iper-realistico che caratterizza la cinematografia di Ben Rivers, prende forma un’ipotesi sognante di utopia terrestre in bianco e nero, con rari squarci di colore e brevi istanti musicali.

Alla presenza del regista

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La regista fa ritorno a Strasburgo dove incontrò suo padre per la prima volta all’età di 13 anni: fu l’inizio di una lunga storia di abusi sessuali. Ora è decisa a rompere un silenzio durato decenni per affrontare il rimosso e il non detto con familiari e compagni. La scrittrice Christine Angot passa dietro la macchina da presa per fare con il suo film quello che ha fatto da sempre con la propria narrativa: ribaltare in maniera radicale il concetto di vittima, spazzando via una volta per tutte l’aura di commiserazione e pietismo che accompagna l’offesa, mandando all’aria il sussiego borghese dietro cui si celano disprezzo e superiorità e ponendo chi guarda di fronte alla miseria di un eventuale attitudine giudicante. Un film sconvolgente e doloroso come pochi altri, un atto di coraggio profondo nel quale la determinazione non esclude il tremore e l’amore cerca protezione dai luoghi oscuri dell’anima. Un gesto di rivendicazione personale dal valore universale.

Alla presenza della regista

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Il cineasta catalano entra nell’arena per raccontare lo sfarzo e la brutalità della corrida in un documentario che ritrae il giovane e carismatico torero di origine peruviana Andrés Roca Rey. La vestizione, l’attesa, l’ansimo, lo scontro, l’animale trascinato sulla sabbia dorata in una scia di rosso, il silenzio che segue l’acclamazione, la svestizione che rivela le fasciature insanguinate. La solitudine del matador ma anche quella del toro e la morte che aleggia sovrana nel pomeriggio della corrida. Immersione ipnotica e sensoriale in uno degli spettacoli più atroci e violenti del nostro tempo, una monumentale rappresentazione della persistenza del primitivo nel presente, un rituale di violenza che contrappone la tecnica all’istinto, l’uomo all’animale. Una sfida – non ad armi pari – che oltre al glamour del brivido porta in primo piano una profonda dimensione di agonia e terrore: non quella del pubblico, mai inquadrato, ma quella del toro, che fin dalle prime immagini del film rivolge il proprio sguardo verso di noi.

Alla presenza del regista

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Dal 2016 a oggi, quasi 40.000 persone sono state soccorse dall’Ocean Viking, la nave ambulanza noleggiata da SOS Méditerranée. Quando l’imbarcazione intercetta al largo della Libia un gommone stracolmo di migranti, vengono subito avviate le procedure per portare in salvo un centinaio tra uomini, donne e bambini. Da quel momento in poi si tratta di prendersi cura di loro e prepararli su ciò che li attende all’arrivo sulla terraferma. Jean-Baptiste Bonnet ha trascorso quasi due mesi sull’Ocean Viking per filmare la convivenza a bordo e le pratiche di assistenza, ma anche le questioni politiche e umane in gioco durante questo periodo di sospensione alle porte d’Europa, tra il salvataggio e lo sbarco a terra. Raccontato per mezzo di una drammaturgia accorata e lineare, seguendo l’ordine cronologico, il film è un lungo viaggio per mare fino all’attracco sulle coste italiane, al fianco dell’equipaggio e dei migranti che sperano in una nuova vita.

In collaborazione con SOS Mediterranee Italia, Scuola Normale Superiore

Alla presenza del regista

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La vita di un uomo raccontata da lui stesso. Erno Fisch ha più di 90 anni, è un anziano sopravvissuto allo sterminio degli ebrei nel villaggio di Sziget, che Judit Elek ha filmato diverse volte nel suo percorso registico. Il suo racconto, che si snoda attraverso una serie di interviste fatte nel corso del tempo, è lucido e preciso. Le sue parole narrano la vita della comunità ebraica nel piccolo paese ungherese, ma anche la sua esperienza a Vienna, dove alloggerà nella casa della nipote di Franz Schubert. Le parole scorrono mentre, gradualmente, si fa strada la consapevolezza del Novecento come secolo della guerra, della lotta, dei massacri. Erno Fisch si salva dal rastrellamento rifugiandosi nei boschi. La sua è l’unica voce sopravvissuta. Una voce che si riflette in immagini d’archivio che, in tremolante bianco e nero, mostrano i corpi e i volti di uomini, donne e bambini della comunità ebraica: ultima traccia di esistenze spazzate via dalla barbarie

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Un ragazzo discende lungo il fiume su una barca. Il suo volto è triste. Accanto a lui una bara bianca. Il ragazzo sta accompagnando il corpo di una ragazza trans per darle sepoltura nel villaggio peruviano in cui è nata: questo viaggio di ritorno diventa occasione di incontri e di memorie. Lungo il tragitto alcune persone gli raccontano delle storie. Memorie di eventi tragici, legati alla guerra civile che, per due decenni, ha martoriato il paese. Memorie dei massacri perpetrati dalle milizie in conflitto verso coloro che vivevano liberamente la propria sessualità. Il film è un racconto collettivo sulla persecuzione omofoba nei confronti delle persone LGBTQ+ durante gli ultimi decenni del XX secolo. Un racconto che diventa narrazione filmica secondo uno stile che accompagna da tempo il lavoro di Bénédicte Liénard e Mary Jiménez nel quale, attraverso la forma della ‘finzione poetica’, esistenze empiriche assumono carattere universale, diventano cinema.

Alla presenza delle registe

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Il musicista spagnolo Kai Landre (18 anni) non cerca solo nuove strade per creare la sua musica, ma vuole anche esplorare le possibilità del proprio io. Il suo legame con lo spazio va al di là di quello consueto ed è intento a sviluppare un organo cibernetico che gli permetta di percepire i suoni dell’universo: raggi cosmici trasformati in onde udibili. I suoi esperimenti lo mettono in contatto con una comunità che condivide i suoi stessi obiettivi e che cerca di espandere le nozioni di identità e di coscienza, fino a fargli concepire l’idea di assimilare la macchina che ha creato. Ma quale prezzo hanno questi sogni? Partendo dal ritratto di un giovane artista fuori dagli schemi, il film di Morillo Vega è un ‘documentario fantascientifico’ sul nostro presente e su vari temi legati alla fluidità, di cui esplora i confini etici e legali, rimanendo sempre vicino ai corpi, anche laddove la realtà sembra dissolversi nel virtuale.

In collaborazione con Scuola Normale Superiore 

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Ci ha provato Brizzi, in Bastogne, a raccontare la Bologna a cavallo tra anni ’70 e ’80. Un’epoca di tumulti, di violenza, di ideali e ideologie. Di droga, troppa, e di buona musica, che non è mai troppa. Going Underground di Lisa Bosi racconta di tutto questo, ossia dei Gaznevada, band fulcro di una scena musicale punk nell’anima, ancor prima che nelle sonorità; espressione artistica di un’onda trasversale di ribellione alla norma che abbracciava arti eterogenee, come i fumetti di Andrea Pazienza e Filippo Scozzari, sodali del gruppo e protagonisti di quella rivoluzione dei costumi. Il film evita la biografia in senso stretto per un approccio inusuale, affine allo spirito dei Gaznevada, che affronta anche il dramma dell'eroina e il suo lascito di morte, fino a giungere al disorientamento degli anni 90, in cui una costola del gruppo torna nuovamente in classifica grazie alla dance dei Datura.

Alla presenza della regista e dei Gaznevada

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Natale 2047, il Mago, il Gigante e il Cantante, alle soglie della fine del mondo, decidono di tornare al club “stazione” che li ha visti protagonisti per tanti show natalizi, il “Fuori Orario” di Taneto, in provincia di Reggio Emilia, e rinnovare per l’ultima volta il loro antico patto di amicizia. Sopra al tetto, in una teca crio-conservante, viaggia, tornando verso casa, la loro più amata reliquia: lo storico gestore del Club in stato di ibernazione da 25 anni, Frankie la Luce, detto Franchino. Tra ironia e malinconia, finzione e documentario – con le immagini dei tanti concerti tenuti da Vinicio Capossela al “Fuori Orario” –, il regista Gianfranco Firriolo e il cantautore tornano a collaborare (dopo il precedente La faccia della terra) in un anomalo e originalissimo ibrido tra road movie e film-concerto, elogio del potere aggregante della musica e, contemporaneamente, riflessione sullo scorrere del tempo. Il tutto impreziosito dalla straordinaria fotografia invernale di Luca Bigazzi.

Alla presenza di Vinicio Capossela

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Le colline toscane, la memoria della guerra, gli sfollati, i prigionieri, i deportati. Sono le loro voci e i loro volti quelli che scandiscono un racconto che crea un corto circuito generazionale. Quei racconti e quelle storie, infatti, sono il punto di partenza per una scrittura che nasce da un laboratorio cinematografico condotto in una scuola media del Mugello. Sulla base di quelle storie i ragazzi mettono in scena altre storie, da loro immaginate. Ecco che allora il film diventa un dialogo tra gli eventi vissuti dai personaggi intervistati e quelli re-immaginati dai ragazzi che, in una sorta di spazio reale e, al contempo, onirico mettono in scena quella distanza, quello spazio-tempo che è da sempre il problema della conservazione della memoria. Tante storie si intrecciano tra loro in questo film, tanti sguardi si incrociano e apprendono, con l’energia dell’immaginazione, a parlarsi, a conoscersi, a creare un ponte tra tempi tra loro lontanissimi.

Alla presenza del regista

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Ogni anno a Vergemoli, un paesino tra le montagne della Garfagnana, si tiene il “Boccabugia”, festival di poesia improvvisata. Come tante altre piccole località, Vergemoli fa i conti con il progressivo spopolamento ma, nonostante ciò, da decenni, a centinaia si riuniscono per assistere alla divertente manifestazione che permette a tutti di essere poeti per un giorno. A presentare la kermesse, Paolo Ruffini che ne è uno dei principali artefici e che sta valutando se valga la pena acquistare uno dei ruderi da ristrutturare. Il documentario illustra i preparativi e la realizzazione della 50esima edizione del "Boccabugia" ma si tratta di un pretesto per raccontare il legame tra Ruffini, i vergemolini e un mondo fuori dal tempo in cui il senso di comunità è ancora molto forte. Tra scherzi, cene e rimpatriate, alla frenesia della preparazione di un evento unico e alla sua storica ricorrenza si aggiunge un motivo in più per festeggiare: dopo dieci anni nasce un nuovo vergemolino!

Alla presenza del regista e di Paolo Ruffini

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“Non capita anche a voi di sentirvi truffati?”. La domanda torna puntualmente nell’irriverente documentario di Manfredi Lucibello sull’arte contemporanea e le sue derive. Il complotto di Tirana parte, infatti, dal racconto di una grande truffa, consumatasi nella capitale albanese nel 2001 quando, per la prima volta nella travagliata storia recente del paese, l’arte contemporanea fa capolino con il grande evento della Biennale di Tirana, curata da Giancarlo Politi, critico e fondatore di Flash Art Italia. Politi invita, tra gli altri, il fotografo Oliviero Toscani come curatore di una sezione. Ma, dietro ai quattro artisti invitati da Toscani, si cela un'operazione molto più interessante del previsto, che, come una matrioska, si snoda da Tirana fino alla cittadina ligure di Cogoleto. L’arte è finzione, tendiamo a dimenticarlo, e nella finzione trovano spazio le invenzioni più acute, le zone grigie più fertili. Forse è proprio nelle falle del sistema che si scopre la sua vera natura.

Alla presenza del regista